Clásicos, contemporáneos, expertos en la fusión de tradiciones, flamencos…
Todos atesoran los premios más relevantes y muestran, con su arte, una nueva temporada en movimiento.
Por Carolina de Pedro | 22 Abr 2012
Artículo publicado originalmente en la revista SMODA (22 de abril de 2012).
Ya lo dijo George Balanchine: «Atribuyo el 50% del éxito de mis ballets a los trajes que Barbara Karinska ha creado». Y no se equivocaba. El vestuario representa, en gran medida, el éxito o el fracaso de un ballet.
Hay dos elementos que impactan desde el instante en que se levanta el telón, incluso antes de que los bailarines muevan un solo músculo: la escenografía y el vestuario. A través de ellos intuimos la calidad de la obra. Porque, aunque la compañía sea excelente, si el vestuario no acompaña esa excelencia, se pierde gran parte de su valor.
Volviendo a Balanchine, recordamos que para Joyas, uno de sus ballets más célebres, se inspiró en las esmeraldas, rubíes y diamantes de la casa Van Cleef & Arpels, en la Quinta Avenida de Nueva York. El vestuario fue creado por Barbara Karinska, exquisita bordadora rusa. Con el tiempo, Balanchine y Karinska formaron un tándem creativo al frente del New York City Ballet, dando lugar a un sinfín de éxitos y a la creación del célebre powderpuff tutú, también conocido como “tutú Balanchine-Karinska”. Todo un mito.
Los bailarines de Sergei Diaghilev, para quien el vestuario era esencial, se quejaban, sin embargo, de que algunos de los maravillosos trajes creados por artistas irrepetibles —Léon Bakst, Natalia Goncharova, Marc Chagall, Henri Matisse, Pablo Picasso o Giorgio de Chirico, entre otros— resultaban incómodos y, en ocasiones, difíciles de manejar en escena. No es lo mismo diseñar para ser contemplado que para ser bailado. El diseñador debe comprender que el bailarín necesita libertad: la elección de telas, colores, brillos y volúmenes es decisiva.
Grandes nombres de la moda como Yves Saint Laurent, Coco Chanel, Pierre Cardin, Christian Lacroix, Gianni Versace, Jean Paul Gaultier, Valentino Garavani, Karl Lagerfeld y Stella McCartney han incursionado en la creación para danza. Sin embargo, la fama no siempre garantiza el éxito en escena.
Un ejemplo claro es Ocean’s Kingdom (2011), con coreografía de Peter Martins y música de Paul McCartney. Mientras la prensa de moda celebraba los diseños de Stella McCartney, la crítica especializada fue mucho más dura: “kitsch”, “ordinarios” o “poco favorecedores” fueron algunos de los calificativos que recibieron.
Pierre Cardin encontró en Maya Plisétskaya a su gran musa, creando vestuarios memorables para Anna Karenina y para adaptaciones de obras de Antón Chéjov como La gaviota y La dama del perrito.
Por su parte, Karl Lagerfeld quiso reactivar el vínculo entre Chanel y el ballet en 2009. Diseñó el vestuario para La muerte del cisne de Camille Saint-Saëns, interpretado por la bailarina principal del English National Ballet, Elena Glurdjidze. Sin embargo, su propuesta fue criticada por no respetar la libertad de movimiento necesaria, al incluir un collar de plumas que limitaba el gesto.
Este episodio evocaba un eco del pasado: Coco Chanel fue mecenas de los Ballets Rusos y diseñó el vestuario de Le Train bleu (1924) y Apollon musagète (1929). Aquel tutú, realizado en tul y delicadas plumas grises en el Atelier Lemarié, tuve ocasión de verlo en escena en el Gran Teatre del Liceu, durante la gala del English National Ballet en 2009. Y puedo decirlo con certeza: era de una belleza extraordinaria.
Artículo publicado originalmente en la revista SMODA (22 de abril de 2012).
Enlace: Moda en movimiento, por Carolina de Pedro.
